3er. FIXION

13 min


Afiche
Afiche 2010
Actividades Paralelas

Goethe Institut.
Retrospectiva de cine expresionista alemán. Entrada liberada.
Todas las proyecciones son en 16 mm.

Geheimnisse Einer Seele (Secretos de un Alma)
Georg Wilhelm Pabst. 1926, 76 min., Alemania, muda, B/N. Con: Werner Krauss, Ruth Weyher, Ilka Grüning, Jack Trevor, Pawel Pawloof.

Un matrimonio de lo más normal. Él (Werner Krauss), bioquímico, se afeita a diario, lee antes de acostarse y adora a su esposa. Ella (Ruth Weyher), mucho menor que él, aparece un día con un regalito: una estatuilla oriental y unas postales que envía su primo (Jack Trevor), un aventurero que regresa de una expedición a Sumatra. Una mañana la vecina de enfrente grita pidiendo auxilio. Una mujer ha sido acuchillada y muerta. El matrimonio se entera del caso a través del periódico o bien por algún chisme barrial. La vida sigue y si bien nada cambió para la pareja, un engranaje íntimo ha girado en la mente del marido. Por la noche sufre una atroz pesadilla en que se ve a si mismo asesinando a su mujer. Sentimientos de culpa -tal vez por no haber tenido hijos- y los más primitivos celos asaltan su espíritu: ya nada será igual. A la mañana siguiente el sueño ha dejado secuela: no se atreve a afeitarse por temor a la navaja ni a tomar en su mano el estilete para abrir la correspondencia. El problema surge de noche cuando el protagonista se ve asaltado por la pulsión a degollar a su esposa. La solución del caso estará en manos de un médico (Pawel Pawloff) que propone realizar un tratamiento de “psicoanálisis”, que implica alejar al marido de la casa durante unos meses hasta lograr su curación. ¿Logrará desentrañar el misterio del alma a través del significado de los sueños y de sus traumas? La trama y los conceptos psicológicos pueden pecar de simplistas e ingenuos pero, por comparación, son más maduros que muchos films norteamericanos de la Posguerra cuando se dio el boom del psicoanálisis. La mano maestra de Pabst nos obsequia secuencias oníricas de clima denso y por momentos asfixiante, respaldadas por las actuaciones contenidas de los protagonistas -inusual en el cine mudo- y una batería de recursos visuales que aún sigue siendo efectiva como atracción hacia el abismo insondable de los sueños. Sin el legado expresionista pero doblando la arquitectura rígida; sin el lirismo de un Murnau ni la ciencia de un Lang pero logrando un cierto “lirismo-científico”; sin la tendencia a rellenar o pintar la pantalla de luz o claroscuros pero imprimiendo volumen y fantasmagórico relieve a los objetos reales que pueblan un sueño, Pabst logra elevar un film menor y convertirlo en una pequeña gema de visión imperecedera. (Darío Lavia).


Nosferatu: Eine Symphonie Des Grauens (Nosferatu: Una Sinfonía de Horror)
F.W. Murnau. 1922, 66 min., Alemania, muda, B/N. Con: Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder, Alexander Granach, Georg H. Schnell, Ruth Landshoff.
La película será proyectada en su versión tinteada, muy pocas veces vista. Entretítulos en alemán e inglés. Musicalizada en vivo por Merkén.

Aunque haya habido alguna aproximación anterior, se suele considerar al Nosferatu de Murnau como el primer Drácula del cine, por más que, a raíz de una cuestión de derechos de autor lleve otro nombre. La historia es el mismo esqueleto de la novela de Bram Stoker pero con ciertos giros y cambios de personajes que la hace bastante original. Bremen, 1838 (o la Inglaterra Victoriana); el incauto Knock (o Harker) intenta un negocio inmobiliario con el Conde Orlok (o Drácula), que es en realidad un vampiro que se alimenta de sangre humana. Orlok queda cautivado con la belleza de Ellen (o Mina) y trata de vampirizarla hasta que aparece el Profesor Bulwer (John Gottowt) para evitarlo. Será una larga función de escenas que se repetirán eternamente en cientos de filmes posteriores, pero con la salvedad de que éstas son las originales, de las que todas las demás abrevaron. Un par de ojos monstruosos brillan ante una herida, la atracción hacia la curva de un cuello femenino, la sensación de permanente fantasmagoria, un espectro se yergue como autómata desde un féretro, una carreta es conducida por un zombie y siguen los momentos. El film plantea algunos hallazgos estéticos y un interrogante ético. Estéticos porque Murnau viola algunos principios del expresionismo rodando la mayor parte del film al aire libre, fuera de estudios, pero obteniendo resultados cabalmente expresionistas en virtud de montaje e ingeniosos efectos de cámara y extrayendo naturalidad de lo antinatural y antinaturalidad de los escenarios naturales. Recordemos el efecto acelerado de “vuelta de manivela” aplicado al vampiro apilando ataúdes o el aspecto espectral del bosque obtenido por intercalado de film negativo. Por último, Nosferatu brinda todo un tema de discusión que aquí no abordaremos para evitar el riesgo de apologizar el delito pero, teniendo en cuenta el hecho que Murnau se vio obligado por ley a destruir su film (no había abonado derechos intelectuales a la viuda de Stoker) y que, de no haber conservando alguna copia, hoy no podríamos verla en ningún formato: ¿hasta que punto la propiedad intelectual perjudica y tara aquello que pretende proteger? (Dario Lavia).

Merkén comenta su participación:
Merken presenta material nuevo, para musicalizar Nosferatu, a pesar de que no es la misma propuesta que vemos en los bares, de un rock ruidoso y estridente, es otra faceta, netamente para un soundtrack que no deja de ser interesante, y además aseguramos que dejaremos entrever obviamente la esencia concreta de la banda y probablemente se dé una pequeña muestra del material habitual.


Faust: Eine Deutsche Volkssage (Fausto: Una Leyenda Alemana)
F.W. Murnau. 1926, 92 min., Alemania, muda, B/N. Con: Gösta Ekman, Emil Jannings, Camilla Horn, Frida Richard, William Dieterle.
La película será proyectada en la versión muda. Entretítulos en alemán e inglés.

No solo de la monumental obra de Goethe se nutre wsta versión fílmica, sino de Christopher Marlowe y de piezas del folklore alemán. El viejo Fausto (Gosta Ekman) vende su alma al diablo (Emil Jannings, en una interpretación antológica de soberbia expresividad) a cambio de juventud y placeres carnales. Fausto recorre distintos lugares y se cansa de todo y todos. Hasta que se enamora de la bella Margarita (Camilla Horn) a quien, sin embargo, le acarrea la tragedia de perder a su madre y hermano. El director F. W. Murnau consigue desde los primeros fotogramas hasta el fin, una obra maestra absoluta, con la particularidad que cada escena, tomada por separado, tiene tanto valor artístico como la obra completa. Desde la fotografía al diseño artístico, pasando por el montaje, las actuaciones, la manera de plantear la trama (como una apuesta entre un ángel y el diablo) y hasta el propio celuloide en que fue filmada, todos los elementos se unen en un súmmum armónico que podríamos interpretar como un sueño hecho realidad o, más bien, una realidad hecha fantasía. Si es posible concebir la visualización de una fantasía más allá de imaginación y la mente del Ser Humano, esta se vería como el Fausto de Murnau, film que, lamentablemente, no obtuvo el menor éxito en su momento, a pesar que la inversión mayúscula (la UFA dotó a Murnau de medios materiales ilimitados). La inicial aparición de Jannings como ángel caído hace decir a Lotte Eisner que “ningún director, ni siquiera Lang, pudo hacer surgir tan magistralmente lo sobrenatural en pleno estudio”. Una multiplicidad de fuentes pictóricas clásicas y el infinito abanico de recursos plásticos que Murnau pulió de su film previo TARTÜFF (Tartufo-1925) se combinan en un relato fantástico, sazonado con magistral ritmo y fluidez de cámara, logrando pasajes memorables como el viejo Fausto en su laboratorio, el paneo aéreo de Mefistófeles sobre la ciudad medieval, la secuencia de los apestados, Margarita en la estaca… (Darío Lavia)


Das Cabinet Des Dr. Caligari (El Gabinete del Dr. Caligari)
Robert Wiene. 1920, 76 min., Alemania, muda, B/N. Con: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski, Rudolf Lettinger.
Entretítulos en alemán e inglés. Musicalizada en vivo por Geofrontiers.

Caligari narra la historia de un paciente de manicomio (Friedrich Feher), cuya locura hace al espectador tener una difusa visión de la realidad (traducida en decorados retorcidos y doblados hasta niveles absurdos, sombras pintadas y tejados con vértices ásperos), pero también es una parábola en la que algunos ven lo que posteriormente sería el nazismo dominando al pueblo alemán. La historia sigue las andanzas de Francis y Alan (Hans Von Twardowsky), dos amigos que visitan la feria donde una de las principales atracciones es Cesare (Conrad Veidt), un hombre que ha estado dormido durante 25 años. Cesare es exhibido en el Gabinete del Dr. Caligari (Werner Krauss) que ordena a su durmiente cometer varios crímenes en uno de los cuales el propio Alan es la víctima. Cesare intenta secuestrar a la bella Jane (Lil Dagover), así que Francis se propone desenmascarar al falso pregonero, descubriéndolo como jefe de un asilo para dementes, obsesionado por demostrar si los sonámbulos son capaces de matar. Desde el punto de vista artístico, Caligari posee varios elementos visuales propios del expresionismo y un importante manejo de la fotografía, siempre para los rangos de la época. En lo narrativo y temático, no se puede separar que la crisis que atravesaba Alemania en 1919 podía tentar algún tipo de parábola en la que se pueda identificar al Cesare dormido como al pueblo alemán llevado a la Guerra bajo la batuta mística del Kaiser y al director del manicomio obsesionado por revivir en sí mismo al Caligari mítico, como un Kaiser persiguiendo el sueño del Reich. Que, por analogía, se pueda reemplazar al Kaiser con Hitler, para identificar así al nefasto hipnotista con el nazismo (salvaguardando así lo que pregonan la mayoría de los teóricos y libros de texto), es también, un triunfo del propio Caligari, en su afán de hacernos ver cosas que no son y ocultar la que son. (Darío Lavia).

Geofrontiers comenta su participación:
Ensamble de cuerdas, percusión y electrónica haciendo alusión a trabajos de compositores contemporáneos doctos tales como Yan Maresz y Karlheinz Stockhausen o populares como el grupo Fantömas y Pink Floyd en sus épocas tempranas.

cortos en competencia

  • En tu Mente (Chile, Ricardo Quinteros)
  • Radiación (Uruguay, Adrián Barrera)
  • El Circo de las Luces (Chile, Francisco Inostroza)
  • Dos Almas, Un Destino (Venezuela, Alexmir Dordelly)
  • Elder Sign (Canadá, Joseph Nanni)
  • La Flecha del Cupido (España, Leonardo Pérez)
  • Nadja o El Olvido (Colombia, Daniel Preciado Muñoz)
  • La Unión (España, Carlos A. Sambricio)
  • D-Construir (Chile, Eduardo Bunster Ch.)
  • La-Menta (Chile, Víctor Vidangossy)
  • Espaciones (Chile, Álvaro Ortega)
  • Devourment (México, Lex Ortega)
  • Plutón (Uruguay, Guzmán Vila)
  • Inevitabile (Italia, Luca Sabbioni)
  • El Rayo y la Sirena (España, Diego Sanchidrián)
  • La Ley del Hielo (Chile, Ignacio Rodríguez y Sebastián Pose)
  • Spaghetti Clown (Cuba, Marcos Machado)
  • Score (México, Sergio Tello)
  • No Hables (Chile, Mijael Milies G.)
  • Manual Práctico del Amigo Imaginario (Abreviado) (España, Ciro Altabás)
  • Opstandelsen (La Resurrección) (Dinamarca, Casper Haugegaard)
  • M.A.N.H. (Chile, Christopher Vera L.)
  • Las Piedras No Aburren (España, Marta Parreño)
  • Praxis (Chile, Nicolás Fuentes)
  • La Bata del Futuro (Uruguay, Diego Melo y Ernesto Rodríguez)
  • H. P. Lovecraft En la Cripta (Argentina, Amoedo Diego)
  • Big Tits Massacre (Nueva Zelanda, Ygnacio Cervio)
  • Fascinum (Chile, Lucio Rojas)
  • Nocturno (Colombia, Nicolás Restrepo Vega)
  • HUMANOIDEnoROBOT (Chile, Ignacio Ruiz)
  • The Necronomicon (Canadá, Joseph Nanni)
  • …Stay (España, Álvaro López & H. R. Paternain)
  • Clara (Chile, Álvaro Pruneda)
  • Deus Irae (Argentina, Guillermo Gatti)
  • El Forjador de Historias (España, José Gómez Gallego)
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películas en competencia

PIG
USA. 2010. 94 min.
Dirección: Adam Mason.

“La película más desagradable, sucia y sádicamente cruel que jamás haya visto. Debería de ser prohibida”. Jay Slater, Fangoria Magazine.

Una joven, en pijamas, ensangrentada, corre agotadamente por la carretera ubicada en medio de ninguna parte. Es media tarde. Una camioneta la alcanza y por los gritos de la chica, sabemos de qué se trata: no hay escape, la huida es inútil. El de la camioneta es un tipo peligroso, psicópata, obsesivo. De vuelta al destartalado camping, cometerá todas las perversiones posibles e imaginables…

Filmada en una sola toma continua de 90 minutos, PIG es un gran resumen de todos los tópicos y lugares comunes del cine de terror norteamericano… pero sin cortes, ni ediciones, ni efectismos visuales tipo generación MTV. Es cruda, realista, sin concesiones y va, literalmente, directa a la vena.


The Uh-oh Show!
USA. 2009. 88 min.
Dirección y guión: Herschell Gordon Lewis

Cuando el director grite ¡corten!, es mejor que empieces a correr.

Jill Burton es una periodista obsesionada con desenmascarar al exitoso programa de preguntas y respuestas “The Uh-oh Show!”: responda correctamente y gane mucho dinero, pero si pierde, le mutilarán alguna parte del cuerpo en vivo y para toda Norteamérica. Pero los televidentes están sedientos de más sangre, lo que alimenta la avaricia del productor que lanza otro programa aún más violento y sanguinario, The Grim Fairy Tales. Pero la intuición de Jill le dice que algo anda mal, y no tardará mucho en descubrir la verdad sobre qué ocurre con los participantes.

Herschell Gordon Lewis es conocido como el Padrino del cine gore. Etiqueta que ha ganado por dirigir films ya clásicos como “Blood Feast” (1963) o “2.000 Maniacs!” (1964), películas vanguardistas y que por sí mismas crearon toda una multitud de copias explotadas hasta la saciedad y que incluso hasta ahora se pueden ver sus influencias. En The Uh-oh Show!, no solo es un festín de sangre a raudales, sino que en tono de comedia plantea hasta que punto es válida la pelea por el rating y los límites de los reality shows.


Humanimal
Chile. 2010. 83 min.
Dirección y Producción: Francesc Morales.

La torpe Tortuga siempre es víctima del inteligente Zorro. Cuando aparece Gata, ambos caen a sus pies y compiten por conquistarla. Aunque ella sólo seducirá a quien logre incorporar hábitos humanos, Zorro logra aprender más rápido y Tortuga es rechazado. Finalmente se dará cuenta que puede tener una ventaja, si alimenta a una misteriosa criatura con carne animal. Una fábula contemporánea sin diálogos, cuyos actores están vestidos con trajes de animales, pero en vez de ser una comedia infantil, la historia es un duro drama, que bordea el surrealismo y el terror.

Francesc Morales es un director que va más allá de los convencionalismos audiovisuales, introduciéndose más en lo experimental, lo onírico y lo fantástico. En ésta, su primera película, nos presenta un universo que está más allá de nuestro tiempo y espacio, en donde los ecos de nuestra realidad se muestran en intermitencias, en minúsculos flashbacks, creando un paralelismo extravagante y salvaje.


The Life And Death Of A Porno Gang
Serbia. 2009. 107 min.
Dirección y guión: Mladen Djordjevic.

Marko, un joven realizador frustado por no poder realizar su primer film, entre casual y obligadamente debe incursionar en el porno casero, con la excusa de que esa también puede ser la oportunidad de hacer algo más personal y mostrar su rabia en contra de la sociedad. Sin embargo las cosas no salen como espera y con la compañía de teatro/cabaret que organiza, sale de gira por toda Serbia con un espectáculo que mezcla erotismo y crítica socio-política… los conflictos con los pueblerinos no se hacen esperar y, sin dinero ni recursos, nuevamente se ve obligado a hacer otro tipo de películas…

Narrada como un diario en video de Marko y ambientada en el 2001 durante la caída de Milosevic, la cinta ha estado rodeada de una fuerte controversia debido a la crudeza de las escenas, al no detenerse en consideraciones. Film perteneciente a la Nueva Ola de Cine Serbio, es una importante reflexión acerca de las consecuencias de la guerra, la destrucción moral, la pobreza y la desesperación por sobrevivir.


El Monstro del Mar!
Australia. 2010. 75 min.
Dirección, guión, fotografía: Stuart Simpson.

Tres peligrosas vixens, que vienen escapando de la policía, terminan en un pueblito costero australiano. Allí, aprovechando el clima cálido, las drogas y el rock & roll, hacen oídos sordos a las advertencias de un veterano residente del lugar, quien les aconseja no meterse en el agua. Sin embargo, la inocente nieta de este hombre logra acercarse a ellas, conocer un poco más de sus vidas… y terminan librando una brutal batalla nada menos que contra Kraken, el mítico calamar gigante.

Stuart Simpson ya nos había sorprendido algunos años atrás con “Demons Among Us”, una cinta enfocada más hacia el terror clásico y en donde se daba algunas licencias como tener un hacha que hablaba con el protagonista. En “El Monstro del Mar!” se encamina más por la tradición de las películas B de los cincuentas, a las vixens de Russ Meyer, a los efectos de maquillaje físicos, a renunciar al CGI, pero actualizando todo y poniéndose al día, creando un film que es diversión pura de principio a fin.

ganadores

Premio del Público:
Entregado por el público asistente:

Mejor Corto Chileno: Clara (de Álvaro Pruneda, Chile)
Mejor Corto Latino: Deus Irae (de Pedro Cristiani, Argentina)
Mejor Corto Internacional: Manual Práctico del Amigo Imaginario (Abreviado) (de Ciro Altabás, España)
Mejor Largometraje: Humanimal (de Francesc Morales, Chile)

Premio Nueva Sangre (mejores directores debutantes):
Entregado tanto por el jurado y como por el público asistente:
Mejor director de largometraje: Stuart Simpson por El Monstro del Mar!
Mejor director de cortometraje: Pedro Cristiani por Deus Irae

Premio del Jurado:
Entregado por el Jurado conformado por Fernando Caro (Presidente), Víctor Ortegas y Inti Carrizo.

Sección Cortometrajes:
Mejor Corto Chileno: La Ley del Hielo (de Ignacio Rodríguez y Sebastián Pose, Chile): “Por su propuesta, por su simpleza, por su humor, unida a una excelente fotografía y por retratar los miedos infantiles desde la inocencia”.

Mejor Corto Latino: Deus Irae (de Pedro Cristiani, Argentina): “Por las actuaciones, fotografía, guión y por el despliegue de efectos de maquillaje”.

Mejor Corto Internacional: Manual Práctico del Amigo Imaginario (Abreviado) (de Ciro Altabás, España): “Por ser una historia original que plantea de forma excelente al amigo imaginario que todos tuvimos alguna vez, como también la transición a la adultez, logrado con maestría y devoción por los personajes”.

Sección Largometrajes:
Menciones especiales:
PIG por efectos especiales de maquillaje y cinematografía. “Por sus efectos de maquillajes realistas y a la cinematografía que rompen el esquema al ser una cinta rodada en solo una toma, con las dificultades de montaje que significa ese desafío”.

El Monstro del Mar! por soundtrack. “Por su banda de sonido brillante, original y que, más allá de acompañar las imágenes, es un personaje más de la cinta”.

Mejor Actor: Ramón Llao.
Mejor Actriz: Jenny Cavallo.
“De Humanimal. Por cargar con maestría con los roles protagónicos de un filme que rompe todas las convenciones de la actuación para cine, al no poder expresarse mediante palabras sino solo por medio de gruñidos y expresión corporal”.

Mejor Largometraje: The Life And Death Of A Porno Gang.
Mejor Director y Guión: Mladen Djordjevic por The Life And Death Of A Porno Gang
“Por su capacidad de conciliar los códigos estéticos de la brutalidad, la crudeza y la violencia sin restricciones unida a una reflexión profunda, real, política y social, y un manejo del lenguaje audiovisual creativo y audaz”.


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